Les artistes de Mesh explorent collectivement les liens avec la terre et la communauté, en repoussant les forces colonisatrices et en récupérant leurs propres récits et leur pouvoir. L'exposition rayonne de vie, de beauté et de ténacité.

PORTLAND, Oregon - À l'extérieur d'une fenêtre du quatrième étage du Portland Art Museum, des branches d'arbre assombries par la pluie et parsemées de corbeaux forment une silhouette en treillis sur un ciel gris tacheté. Dans un contraste saisissant, une peinture murale de 22 pieds illumine une salle de l'aile d'art moderne et contemporain, vivant de sa propre lumière et de plans vifs de couleurs saturées : jaune pollen, turquoise, rose fleuri, rouge pulsé. Créée par Lynnette Haozous, artiste et assistante sociale basée à Albuquerque, "Into the Sun" (2021) montre une femme apache qui fixe d'un regard inébranlable la cérémonie du lever du soleil, qui marque le passage à la féminité. "Cette peinture murale est un acte de rapatriement", explique Mme Haozous, dont les mots sont inscrits sur le mur de la galerie. "C'est un acte de résistance contre les systèmes patriarcaux qui ont tenté de contrôler l'existence et la résistance des indigènes."

Membre inscrit de la tribu des Apaches de San Carlos et d'ascendance Diné et Taos Pueblo, Mme Haozous est l'une des quatre artistes indigènes et autochtones présentés dans Mesh, une exposition de 21 œuvres mêlant traditions culturelles, perspectives contemporaines et préoccupations sociales et environnementales urgentes. Des œuvres de l'artiste-écrivain-activiste klamath-modoc Ka'ila Farrell-Smith, de la photographe Leah Rose Kolakowski et du fabricant de kapa Lehuauakea - tous âgés de moins de 40 ans - accompagnent la fresque de Haozous. Chacun des artistes présentés a fait son apprentissage auprès d'un artiste établi dans le cadre du programme de bourses d'artistes mentors de la Native Arts & Cultures Foundation. Le nom de chaque mentor figure dans le texte de l'exposition, ce qui renforce le sentiment de vitalité intergénérationnelle de l'exposition, les connaissances partagées étant pompées par un système circulatoire créatif.

L'exposition rayonne de vie, de beauté et de ténacité. À travers divers matériaux, les artistes explorent collectivement les liens avec la terre et la communauté, en repoussant les forces colonisatrices et en récupérant leurs propres récits et leur pouvoir.

"Je n'ai pas commencé à organiser l'exposition comme une exposition thématique", a déclaré la commissaire Kathleen Ash-Milby lors d'un débat. "Mais il est apparu assez rapidement qu'un intérêt pour l'actualité et les questions sociales se dégageait du travail des artistes et que leur travail était une forme d'activisme."

Huit œuvres de Ka'ila Farrell-Smith, qui vit à Modoc Point, dans l'Oregon, sont installées sur les murs qui encadrent la fresque de Haozous. Ses peintures mixtes expressives bourdonnent de marques de grattage frénétiques, ainsi que de notes manuscrites et de couches de formes et de lettres au pochoir, de taches d'acrylique, de taches de pigments, d'images fantomatiques, d'une brume de peintures en aérosol. Une boîte près des peintures contient des morceaux de pigments de terre et des objets que l'artiste a collectés sur les terres Klamath et utilisés comme pochoirs dans sa série Land Back. Dans "Missing Her : No Man Camps" (2019), les lettres LNG (l'abréviation de "liquefied natural gas", ou gaz fracturé) sont encerclées et barrées, une référence à son opposition farouche au pipeline proposé - et depuis annulé - par Jordan Cove Energy Project, qui aurait traversé des centaines de cours d'eau et les terres sacrées traditionnelles de sa tribu.

Sept des photographies expérimentales de Leah Rose Kolakowski ponctuent le mur de la pièce voisine avec des portraits saisissants de femmes amérindiennes et des scènes de pow-wow. L'imagerie onirique de la foule du pow-wow Gathering of Nations à Albuquerque, présentée dans "Gatherings" et "Gatherings II" (tous deux en 2018), semble avoir été manipulée numériquement. Mais les effets de superposition sont en fait le résultat de techniques à la caméra, des compétences que l'artiste a perfectionnées alors qu'elle étudiait la photographie en chambre noire et les procédés alternatifs au Pennsylvania College of Art and Design. Membre de la tribu des Ojibwa de la baie de Keweenaw, qui vit à Santa Fe, Mme Kolakowski explique que sa photographie est "un moyen d'exprimer sa fierté et son appréciation de la beauté non seulement de ma tribu, mais aussi des autres tribus". Elle ajoute : "J'aime penser que mon art permet de faire prendre conscience que nous sommes toujours là, que nous sommes toujours dynamiques. Nous ne sommes pas une culture en voie de disparition. Nous sommes très diversifiés."

La dernière section de l'exposition présente cinq œuvres de Lehuahuakea, un artiste amérindien hawaïen vivant à Seattle et qui, à 26 ans, est le plus jeune de l'exposition. Leur travail est centré sur le kapa, un tissu fabriqué à la main à partir de la fibre de mûrier, utilisé dans les pratiques et les rituels hawaïens, de la naissance à la mort. "Mele o Nā Kaukani Wai (Song of a Thousand Waters)" (2018), une œuvre d'environ 11 pieds sur 8 pieds réalisée à partir de pans de kapa qui ont été cousus ensemble et peints et estampés avec des motifs traditionnels en teintures végétales et pigments minéraux, drape l'étendue d'un mur. Sa surface forme un terrain montagneux, comme une peau d'animal ou une carte qui retrace les mythologies et les histoires à travers les vies. Cette pièce maîtresse a également servi de projet de thèse à l'école d'art de Lehuauakea, ce qui l'a propulsé vers l'obtention de son diplôme et la vie d'artiste.

Lehuauakea dit qu'ils espèrent que les visiteurs de Mesh verront dans leurs œuvres un sentiment de chevauchement des identités et d'expansivité, et qu'il existe de nombreuses façons d'être autochtone. Ils espèrent que les jeunes qui partagent des expériences similaires à celles qu'ils ont vécues en tant qu'adolescents luttant contre les pressions d'assimilation pourront se voir dans les œuvres et reconnaître le pouvoir d'honorer tous les éléments d'eux-mêmes. "Il est important pour moi que nos jeunes générations, en particulier", dit Lehuahuakea, "sentent qu'elles sont représentées de manière positive dans ces espaces qui n'ont pas été créés nécessairement pour les Noirs et les Bruns." Issu des racines de l'histoire autochtone et indigène qui s'étend sur plusieurs générations, Mesh palpite d'un savoir ancestral et vibre de possibilités nouvelles et actuelles.

Julie Schneider pour Hyperallergic, édité par la rédaction le 9/05/2022
Mesh, les puissantes visions de traditions récupérées par des artistes indigènes