Brain One (Brian Eno) et consort

Connaissez-vous le speed up ? Cette façon de consommer la musique en l’accélérant, la raccourcissant avec un rendu de voix déformé dans l’aigu. Gain d’argent pour les labels et les artistes qui en usent et multiplication des visionnages sur TikTok ; un peu comme pour le reggae avec sa version et son dub - sauf que, simple marque du temps, il en va de la manière de consommer vite et fort plus que du bonheur de l’écoute. La techno et le rock avaient le hardcore, est-ce l’arrivée du porno dans la musique? Notre choix anti-bourrin : Brian Eno, Mykki Blanco, Alhaji Waziri Oshomah et Masahiko Togashi.

Incroyable, à l’échelle du temps actuel, la carrière cinquantenaire cette année de Brian Eno… du premier Roxy Music qui faisait le lien entre Velvet, avant-garde et cabaret à ce FOREVER AND EVER NO MORE, une carrière qui prend en compte production, recherches sonores, recherches vidéo, conférences, cinéma, essais, radio ; et carrière solo qui évolua longtemps à une révolution par album pour inventer l’ambient et plus encore. Et puis aussi, comme Bowie ou Lou Reed le chantaient, un total dédain du genre manifesté par une androgynie assumée. Artiste d’envergure et engagé à gauche faut—il le préciser ; qui envoie des propositions musicales comme des navettes dans l’espace sonore, avec sa voix singulière, car il chante sur l’album… D’entrée, on est frappé par la précision sonore, la prod parfaite, le placement des voix et les thématiques glaçantes abordées. C’est à la fois un album pop, dans le sens où il envoie actualité du monde revue et corrigée en mode 2022 avec un so(i)n du jour et un projet culturel de choix par ce qu’il met en jeu/joue avec son mix gouleyant de contemporain, d’ambient et de zen porté par la voix sublime du susnommé. Ce “pour toujours et à jamais” formule ainsi en dix séquences distinctes, par leur tonalité et leur dispositif vocal et/ou instrumental, un chant d’adieu à notre chère Gaïa, tout en sondant les gisements de beauté et de poésie qu’elle recèle encore.

"Comme tout le monde - sauf, apparemment, la plupart des gouvernements du monde - j'ai réfléchi à notre avenir étroit et précaire, et cette musique est née de ces réflexions. Il serait peut-être plus juste de dire que j'ai ressenti des choses à ce sujet... et que la musique est née de ces sentiments. Ceux d'entre nous qui partagent ces sentiments sont conscients que le monde change à un rythme effréné et que de grandes parties de celui-ci disparaissent à jamais... d'où le titre de l'album", a déclaré Eno à propos de l'album.

"Ce ne sont pas des chansons de propagande pour vous dire ce qu'il faut croire et comment agir. Il s'agit plutôt de ma propre exploration de mes propres sentiments. L'espoir est qu'elles vous inviteront, vous, l'auditeur, à partager ces expériences et ces explorations." Dans les Inrocks, Dordor dit un album d’extinction sans rébellion. On ne partage pas le propos. Grand !

Introspection. Fort de ses expériences pas toujours glorieuses, Mykki Blanco prend de la distance sur son « soi », iel vous dira même « qu’est-ce que la vie, si ce n’est une série de joies et de combats ». Stay Close to music s’agit pour iel de regarder sa vie passée : le moment où on l’a diagnostiqué·e positif·ve au VIH, les luttes contre l’alcoolisme, la drogue, son début de carrière périlleux où iel a dû faire face à de nombreux tabous, d’homophobie et de transphobie : « Je me demande ce que c'est que d'être une personne de couleur et queer dans cette société, à travers toutes ces formes d'oppressions intersectionnelles. » « Une fois, je marchais dans la rue et quelqu’un m’a dit : “Tu ressembles au sida“… » Silence. Il n’est pas nécessaire d’épiloguer sur l’impact psychologique que peut provoquer ce type de commentaires, vous vous en douterez. Empathie. C'est hard core.
Aventureux et expansif, ce nouvel album confirme le statut de pionnier.e musical.e de Mykki Blanco
Mykki Blanco, musicien.ne de renommée internationale et icône LGBTQ+, a continuellement brouillé les genres - tirant vers des influences rave, trap, grunge et punk dans un bassin tourbillonnant de hip-hop expérimental qui célébre les expériences queer et trans. En fin de compte, Mykki n'a eu de
cesse de créer son propre univers sonore.
Avec Stay Close To Music, Mykki passe à la vitesse supérieure et s'engage dans un territoire musical inexploré, libre et sans entrave, créant un son riche, complexe et accompli qui lui appartient entièrement et qui ne fait que consolider son statut de pionnier.e musical.e parmi les plus innovant.es au monde. Check !

World Spirituality Classics 3 : The Muslim Highlife of Alhaji Waziri Oshomah est la compilation d’un chanteur nigérian dont l'œuvre remonte aux années 1970. Musulman fervent qui a également grandi en tant que fan inconditionnel du highlife africain, Oshomah est à cheval entre le profane et le sacré, tissant ensemble les styles musicaux traditionnels nigérians avec un esprit respectueux des enseignements islamiques. Oshomah vit et joue à Auchi, le centre islamique du sud du Nigeria, dans ce qui pourrait être considéré comme une sorte de balancement entre les deux grandes religions mondiales qui existent dans le pays : les musulmans fondamentalistes au nord, les chrétiens légèrement plus libéraux au sud. Malgré les différences de doctrine, Oshomah traite de nos péchés terrestres communs : les ragots, la luxure, la jalousie, ceux qui souhaitent du mal à leurs frères.

Prenez l'ouverture "Forgive Them Oh God Amin - Amin", qui est ancrée à la fois dans Luc 23:34 et un appel répété à Dieu plus proche de ce que vous entendriez dans une mosquée. La voix d'Oshomah est terrienne, incessante, l'appel et la réponse d'"Amin" avec ses choristes inquiètent à travers l'Afrobeat tranquille. Cela donne huit minutes apparemment statiques, mais qui nous transportent. Ce rythme tranquille donne à la musique une allure détendue, mais joue aussi avec notre notion du temps. Oshomah rend hommage à une personne au "grand cœur" sur "Alhaji Yesufu Sado Managing Director", qui s'étend sur plus de 17 minutes mais ne s'épuise jamais, grâce à des harmonies de soutien aériennes et à une ligne d'orgue électrique qui donne l'impression de se promener tranquillement dans un parc.

Certains aspects de la musique d'Oshomah peuvent rappeler le highlife ghanéen d'Ebo Taylor, la production électronique de William Onyeabor, les griots à la trompette de Salif Keita à la fin des années 70 ou les vastes étendues de Fela Kuti, mais sa musique s'éloigne toujours de l'assemblage facile. Des claviers qui s'entrechoquent, une guitare wah-wah piquée et une batterie traînante soutiennent "Ovini Omoekeke Alhaji Inu Umoru", ce qui lui donne un aspect légèrement psychédélique. "Jealousy" a son synthétiseur qui gémit comme une sirène, avant que la chanson ne s'épanouisse avec des shakers percutants, un orgue gargouillant et une guitare, le rythme démangeant et agité. Pendant ce temps, la voix d'Oshomah reste stable et franche. Ses paroles sont un mélange de sagesse populaire, de sermon et de franc-parler. "Puisses-tu ne pas mourir d'hypertension, mon frère et ami", dit une ligne. Elle est ponctuée par son rire profond et complice, s'émerveillant des enseignements d'Allah et des faiblesses de l'homme. A tous les incontinents de la pensée magique sans rythme, prenez-en de la graine.

Enregistré pendant deux chaudes journées parisiennes en 1979, "Song of Soil" réunit le percussionniste japonais Masahiko Togashi, pionnier du free jazz, et deux anciens d'Ornette Coleman, Don Cherry et Charlie Haden. Togashi avait adapté son art à la suite d'un accident qui l'avait laissé paralysé à partir de la taille, et Cherry était quelques mois après Codona. Martin Meissonnier, le "porteur de bagages" autoproclamé de Cherry, a supervisé ces six originaux de Togashi. L'enregistrement est d'une harmonie et d'un naturel touchants. La maîtrise du temps et de l'espace par Togashi est exquise, Haden est souple, émotif et de bon goût (comme toujours) et Cherry sympathique, pur et polyvalent (idem).

L'ouverture, "June", est d'abord ludique, Cherry sautille tandis que Haden et Togashi culbutent. Haden est ensuite contemplatif et explorateur avant de ramener les garçons pour un final endiablé. "Words of Wind Part I" sonne à la fois comme un appel, un présage et un accueil. Une brise légère et rafraîchissante qui se construit à travers une ponctuation métallique répétitive et des percussions en morse.

"Oasis" est un point culminant parmi les six points culminants - le baume post-bop de Cherry est traversé par Togashi et Haden qui dynamisent doucement un courant réparateur. Le moment unique de Haden, trempé dans l'émotion. La longue sortie de Cherry, patiente et vraie.

"Song Of Soil", c'est la croissance, les nutriments et l'alimentation. Haden et Cherry, ne faisant qu'un, se nourrissent de l'esprit exploratoire de Togashi. "Words Of Wind Part II" souffle vers l'est, avec les motifs pulsés de Togashi et la flûte de bambou délicate et frétillante de Cherry. "Rain" est un hommage à la substance humide. Il s'égoutte, s'asperge, tombe, ne grésille jamais, et se construit presque comme un chat et un chien. Elle est également dotée d'une brève et jolie pédale de Haden.

Cet album discret est parfaitement cohérent. Chaque pièce, chaque joueur, y sont unis, sensibles et authentiques. "Song of Soil" est une lettre d'amour évocatrice à notre monde naturel - affirmativement biologique avec chaque choix cueillie à la main.

Jean-Pierre Simard le 17/10/2022
Brian Eno - Forever and Ever No More - Universal Music

Mykki Blanco - Stay Close to music - Transgressive

Alhaji Waziri Oshomah - World Spirituality Classics 3 : The Muslim Highlife of … - Luaka Bop

Masahiko Togashi with Don Cherry & Charlie Haden - ‘Session In Paris, Vol. 1 Song Of Soil’ - We Want Sounds