Utilisant des tirages photographiques de ses archives personnelles comme toile de fond, Alison Luntz construit des tableaux pré-pandémiques teintés de nostalgie dans et autour de son appartement de Brooklyn. Elle vient de recevoir le Lens Culture Award dans la catégorie photo d’art.

Pour l'image Nostalgia In the Backyard, (image d’ouverture de l’article) la photographe Alison Luntz a accroché à la clôture de son jardin un paysage qu'elle a photographié dans la campagne péruvienne. Posée sur cette toile de fond, le tuyau d'arrosage de son voisin du dessous à la main, l'artiste s'amuse à chevaucher le passé et le présent. Cette image fait partie de la série d'autoportraits “In Spirit”, sur laquelle l'artiste a commencé à travailler au printemps dernier pour aborder ses sentiments de confinement et d'isolement pendant la quarantaine.

Michael Foley, membre du jury des LensCulture Art Photography Awards, a sélectionné la série de Luntz pour une distinction spéciale en déclarant : " Alison a trouvé un moyen d'apaiser son blues de la pandémie en associant les limites de son moment présent à la liberté des moments passés, pleins de sentiments chaleureux, de bons souvenirs et de temps plus simples. J'ai admiré l'esthétique du bricolage avec laquelle elle partage ces souvenirs photographiques, scotchés et épinglés avec désinvolture dans son environnement quotidien. Leur humour ne dément pas le caractère poignant du désir et de la nostalgie que nous ressentons tous en ce moment. Dans un océan de photographes qui se penchent sur leur vie pandémique, Alison offre quelque chose de frais, de pertinent et d'exquis."

Liz Sales : Je me demandais si vous pouviez me parler un peu de l'origine de votre projet ?

Alison Luntz : Ce projet a commencé comme une blague visuelle. Un grand tirage d'une photographie de paysage que j'ai prise en Écosse est accroché en face de mon lit. Dans les premiers jours de la pandémie, je regardais cette photo tous les jours et je me souvenais du sentiment d'être là, de la liberté et de la bonne humeur de ce voyage. Et à quel point cela me semblait maintenant lointain. En avril dernier, poussé par l'inquiétude et une sorte d'humour noir, j'ai réalisé un autoportrait en utilisant cette photo comme toile de fond.

Dans la version recadrée, j'ai l'air d'être là-bas, le vent dans les cheveux, mais il est clair que je suis chez moi, comme tout le monde dans la version large. Après avoir réalisé cette image, j'ai commencé à voir le pouvoir potentiel de cette idée pour exprimer l'isolement, l'aliénation et la mélancolie de la quarantaine - quelque chose de personnel et d'omniprésent. À partir de là, le projet est lentement devenu moins littéral, moins axé sur les lieux physiques qui me manquaient, et plus sur les sentiments, les souvenirs et l'espace entre ce qui est réel et ce qui est dans nos têtes.

LS : Comment s'est déroulé votre processus de création d'images ?

AL : J'ai abordé les images de ce projet de plusieurs manières différentes. Parfois, je choisissais un endroit dans mon appartement que je voulais utiliser comme scène pour une histoire. Par exemple, en mai, j'ai eu l'idée d'utiliser ma baignoire comme décor pour une prise de vue. Je voulais y montrer une autre étendue d'eau, et je me suis souvenue d'une image préférée de mon mari - prise avec un appareil photo étanche à Coney Island en 2015 - et je l'ai utilisée comme toile de fond.

Bien qu'il ait été avec moi en personne pendant la quarantaine, ce que je voulais exprimer ici, c'était le sentiment de nostalgie lui-même, le fait de repenser à un souvenir heureux avec quelqu'un qu'on aime, et de souhaiter pouvoir le revivre. Bien que cette série soit centrée sur mes propres instantanés et expériences, je pense que ce qui m'intéresse le plus, c'est de trouver les façons dont ils sont universels.

LS : Tous les tirages que vous avez utilisés comme toile de fond dans vos montages proviennent-ils de vos archives personnelles ?

AL : Tous sauf un - un collage qui utilise des images historiques. J'ai mentionné que parfois ces images commençaient par un endroit de mon appartement. D'autres fois, je partais d'une image de mes archives. Dans le cadre d'un projet de quarantaine, j'organisais et re-balayais mes négatifs, et lorsque je trouvais une photographie qui me parlait, je l'imprimais et me mettais en scène devant elle.

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Par exemple, je savais que je voulais inclure une image de mes parents dans cette série pour exprimer ma propre douleur face à notre séparation et illustrer l'un des aspects les plus courants et les plus douloureux de cette pandémie - la façon dont elle a divisé les familles. J'ai donc utilisé une image de nous célébrant Thanksgiving ensemble en 2015, dans la maison de mon enfance, et j'ai posé avec eux dans ma propre cuisine l'été dernier. Mes parents dressent une table beaucoup plus élaborée que la mienne, et bien que la leur n'ait jamais vraiment été mon style, il y avait une chaleur et une richesse dans ces fêtes à la maison dont je ressentais le manque. Je voulais capturer la solitude d'une table aussi morne.

LS : Une des choses que j'apprécie dans cette série est votre précision technique. Dans chacune, la perspective et l'éclairage de votre composition finale ont une relation bien réfléchie avec l'image de fond. Cela a-t-il fait partie de votre processus de sélection ?

AL : J'ai cherché des images qui pourraient créer une sorte de tension entre ma vie actuelle en quarantaine et ma vie passée avant la pandémie, afin de raconter une histoire significative. Cependant, ces images devaient aussi fonctionner sur le plan technique. Mon appartement est assez petit, donc trouver des images avec lesquelles je pouvais travailler en termes de perspective et de qualité de lumière a pris beaucoup de temps.

LS : Cela me fait penser à l'image de vous allongé sur l'impression d'un champ herbeux, entouré de tous côtés par la vie en appartement.

AL : C'est moi sur le sol de mon salon au printemps 2020, sur un cliché d'herbe tacheté de soleil de l'été 2019. Après les itérations initiales où je me tenais devant une image, je voulais que la série continue à être fraîche, avec de nouvelles choses à découvrir dans chaque image. Jouer avec la perspective était vital car cela m'a aidé à dessiner un contraste net entre l'image imprimée et l'espace. J'espère pouvoir placer une impression au plafond, mais je dois encore trouver un moyen de le faire.

LS : Il semble que ce projet soit en cours de réalisation. Que pouvons-nous attendre de la suite ?

AL : Même si la pandémie a été le catalyseur de ce projet, j'en suis venu à penser qu'une grande partie de ce que je cherche à capturer - le contraste entre la vie intérieure et extérieure, le sentiment de nostalgie et de déconnexion, la capacité de fantaisie - sont des éléments constants de l'être humain. La pandémie a tout exacerbé et a fait remonter tant de choses à la surface, mais les peines et les espoirs des gens demeurent alors que la pandémie se retire lentement. Je pense que c'est ce à quoi j'ai réagi le plus vivement, et j'espère avoir créé des images qui ont un sens même sans le contexte de la pandémie pour les encadrer. J'ai encore beaucoup à dire sur ces thèmes, et j'espère également réaliser des portraits d'autres personnes en utilisant ce format pour explorer quelque chose de personnel à leur sujet.

Alison Luntz est une photographe indépendante basée à New York, qui travaille sur des sujets tels que le portrait, le documentaire et les projets de rue. Elle est continuellement fascinée par le pouvoir de la photographie qui a cette capacité à la fois représentative et surréaliste - une forme d'art qui a une patte dans la réalité et une autre dans les rêves, et là où ces deux pattes se rencontrent et se brouillent est souvent le point central de son travail. Plus sur le travail toujours en cours d’Alison Luntz ici et là.

Liz Sales adaptée par la rédaction le 8/04/2021
Alison Luntz - In Spirit